Les images du style Harajuku les plus célèbres de tous les temps

À peu près à la même époque où Comme des Garçons et Yohji Yamamoto commençaient à perdre de leur puissance commerciale, quelque chose d’intéressant se produisait à Harajuku. Le district avait toujours été un centre névralgique de la mode, mais tout à coup, un nouveau style émergeait, quelque chose de complètement différent de ce que j’avais vu à Paris ou à Londres. Et la qualité n’était pas mauvaise du tout. J’ai eu le sentiment que quelque chose de gros se préparait, alors j’ai commencé à prendre des photos. Après avoir photographié les jeunes du quartier pendant environ six mois, j’ai décidé de faire un magazine à partir de mes images. C’est ainsi que FRUiTS a vu le jour.

C’était en partie une réaction à la domination de la mode DC, qui était sombre et minimaliste. Les jeunes avaient soif de fraicheur. À l’époque, beaucoup de coiffeurs et coiffeuses du quartier Harajuku commençaient à faire des formations à Londres, et rapportaient d’Angleterre non seulement des teintures aux couleurs vives, mais une toute nouvelle perspective culturelle – des vêtements nouveaux, une attitude nouvelle, tout était différent. Des marques comme Vivienne Westwood, qui usait de la couleur de manière subversive, et Christopher Nemeth ont ainsi fait leur chemin jusqu’au Japon. On constatait leur influence partout dans le quartier.

Au départ, on percevait clairement l’influence de Vivienne Westwood dans le style de tout le monde ou presque. Puis, des marques comme 20471120 et BEAUTY:BEAST sont arrivées d’Osaka, et les gens ont commencé à se créer des looks à partir de leurs collections. Mais après quelques mois, l’idée de porter des vêtements griffés de la tête aux pieds a perdu de son lustre. Les mélanges sont devenus la norme: il fallait agencer des pièces de luxe avec des vêtements chinés, mêler le cher et le bon marché d’une manière qui défiait toute logique, mais qui donnait des looks épatants. Les étudiant·es d’écoles de design comme Bunka, Vantan et Nichibi menaient la charge, façonnaient l’esthétique Harajuku en temps réel.

C’était avant l’internet, ce qui fait que les jeunes avaient l’habitude de glaner toutes sortes d’informations visuelles un peu partout, en grande quantité. Comme il n’existait pas beaucoup de marques, ils et elles n’avaient d’autre choix que d’inventer leur propre façon de s’habiller. Après son lancement, le magazine FRUiTS est devenu lui-même un catalyseur. Plus les gens le consultaient, plus ils constataient à quel point cette scène était cool. Petit à petit, on a vu apparaitre du personnel de boutique charismatique qui façonnait et influençait le style de la jeunesse.

Honnêtement, l’idée de «sous-cultures» n’existait pas vraiment à l’époque – je m’intéressais à la mode, tout simplement. La musique représentait le seul autre mouvement d’importance. Je suppose que Namie Amuro a influencé le style personnel de beaucoup de jeunes, mais c’est à peu près tout. À Akihabara, l’anime était roi, complètement à l’écart de la mode. S’il y a un lien à faire entre les deux, c’est que le secteur de l’anime s’est probablement inspiré de la mode Harajuku, et non l’inverse. C’est le contraire aujourd’hui: les gens s’habillent comme des personnages d’anime.

C’était intimidant comme endroit – si on ne s’habillait pas selon l’esthétique du coin, on ne se sentait pas à notre place. Les gens ordinaires avaient probablement l’impression de ne pas être les bienvenus. Le district en entier était rempli de jeunes gens désireux de repousser les limites de leur style personnel. À l’époque, Harajuku était le seul quartier de Tokyo où l’on pouvait vraiment prendre des photos de style de rue, mais j’avais entendu parler d’une mode underground à Osaka. C’est ce qui m’a conduit à Triangle Park, où j’ai commencé à prendre des photos aussi. Les tendances ne s’échangeaient pas librement entre Tokyo et Osaka à ce moment-là – chaque ville avait développé son style de façon indépendante. À Osaka, c’était le maximalisme à fond, l’idée d’ajouter toujours plus d’éléments pour sortir du lot. À Tokyo par contre, tout était une question de raffinement, on dépouillait les choses pour leur donner un air sophistiqué.

C’est une forme d’expression personnelle. Une façon de dire: «Voici comment j’ai décidé de porter ceci. Qu’en pensez-vous?» C’est un message qu’envoie la personne qui porte les vêtements. Quand j’ai photographié Akichan [Aki Kobayashi] pour la couverture du tout premier numéro de FRUiTS, je lui ai d’abord demandé la permission. Iel a simplement attendu que j’appuie sur le déclencheur – sans changer d’expression, sans prendre la pose. Iel m’a demandé: «Qu’est-ce que je devrais faire?» Ce à quoi j’ai répondu: «Ne bouge pas, c’est bien comme ça.» Cette photo a défini le style de FRUiTS. À partir de ce moment-là, aucun des sujets ne prenait la pose ou ne changeait son expression – c’est devenu le style emblématique du magazine. Je vois les photos de rue comme des documentaires. Je n’ai pas besoin que les sujets prennent la pose comme des mannequins. C’est comme récolter des spécimens – il suffit que le sujet déploie ses ailes naturellement.

Cinq ans après le lancement de FRUiTS, une maison d’édition du Royaume-Uni a publié deux livres de photos mettant en vedette mes images. Environ 200000 exemplaires ont été vendus, ce qui a contribué à faire connaitre le style au reste du monde. Avant ça, l’idée qu’on se faisait de la mode japonaise ailleurs dans le monde se limitait surtout à des images d’employés de bureau et d’écolières en uniformes. La presse étrangère a été surprise de découvrir ces styles hautement individualistes, ce qui l’a incité à venir sur place pour couvrir le sujet. Il y a aussi le fait que les librairies Kinokuniya situées outremer stockaient des exemplaires de FRUiTS, ce qui a contribué à la notoriété du style à l’international.

À un certain moment, on a commencé à voir à l’étranger des tenues entièrement inspirées du style Harajuku. Fashion Tsushin [une chaine de télévision japonaise axée sur la mode] a même fait un topo sur la popularité mondiale du style Harajuku. Karl Lagerfeld et d’autres designers à Paris ont commencé à incorporer des éléments typiques du style sous forme de références. Les designers en Occident trouvaient ça fascinant, parce que ça suivait une logique vestimentaire complètement différente de la leur.

D’une certaine manière, oui. Les marques de luxe se sont retrouvées à court d’idées après un certain temps, alors elles se sont tournées vers la culture de la rue, qui était un mouvement antimode. À l’origine, le streetwear ne s’adressait pas à la tranche la plus nantie de la population, mais on a transformé son image pour en faire un concept de luxe. Quand on a lancé TUNE en 2004, l’engouement pour le style Ura-Harajuku commençait déjà à s’essouffler. Des marques comme A BATHING APE battaient de l’aile, et peu après, NIGO a vendu la marque. Mais au-delà du style vestimentaire, Ura-Harajuku a donné naissance à une nouvelle démarche commerciale – des stylistes devenus entrepreneurs, comme Hiroshi Fujiwara et NIGO, mélangeaient la mode de luxe avec du streetwear, créaient des collections capsules composées de pièces produites en série limitée, et suscitaient un engouement basé sur la rareté de l’offre. Plus d’une décennie plus tard, Kim Jones, un bon ami à eux, s’est mis à fusionner le streetwear avec le luxe chez Dior. C’est à ce moment-là que le mouvement du streetwear de luxe a vraiment pris son envol.

Au début des années 2010, la mode éphémère dominait le marché – H&M et Forever 21 étaient partout. Les designers indépendant·es avaient du mal à garder la tête hors de l’eau. Puis, Virgil Abloh et Demna Gvasalia ont débarqué et, grâce à leurs perspectives rafraichissantes, ont donné un nouvel élan à l’industrie de la mode, qui était sur le point de s’effondrer.

On devait publier un numéro chaque mois, mais on ne trouvait plus assez de gens au look intéressant dans les rues. Avec la montée de la mode éphémère, la créativité propre à Harajuku s’était érodée, nous laissant avec des tenues pour le moins banales. Les gens qu’on voyait avaient simplement l’air… normal. On ne voyait pas l’intérêt de publier des photos de looks qui ne nous plaisaient pas. On n’a eu d’autre choix que d’arrêter la publication.

Je voulais que ça se fasse sans que personne ne le remarque. Je détestais me faire dire «t’abandonnes?». Alors je voulais que ça se termine sans un bruit. On a glissé un petit avis dans le dernier numéro qui disait: «Ceci est notre dernier numéro.» Mais quelqu’un chez fashionsnap.com l’a vu, et tout à coup la nouvelle s’est répandue partout dans le monde – la BBC et CNN voulaient couvrir la fermeture, et Opening Ceremony a communiqué avec nous pour une collaboration. C’est à ce moment-là que j’ai pris vraiment conscience de l’ampleur de la popularité de FRUiTS.

Pendant la pandémie, j’ai eu le temps de numériser le magazine STREET. On a réussi à numériser les 100 premiers numéros, et commencé à vendre ces versions numérisées – ç’a été un franc succès. À vrai dire, je pense que presque chaque personne qui travaille dans le secteur de la mode de luxe à l’étranger possède un exemplaire numérisé. À part le magazine, je participe à des projets de photo quand je reçois des offres.

L’imprimé est un domaine difficile: ça demande du temps, de l’argent, des efforts. On prend des photos sur pellicule, on les scanne, on fait la mise en page sur un moniteur, puis on imprime. Les gens regardent le résultat final et se disent, «c’est génial», mais pour moi, la version originale, sur pellicule, demeure la meilleure version. Tout le processus d’impression ne fait que détériorer l’image, à mon avis. Mais FRUiTS est devenu légendaire précisément parce que c’était un magazine imprimé – si ç’avait été une plateforme numérique, l’effet n’aurait pas été le même.

Absolument. Dès que c’est numérisé, ce sentiment d’appartenance disparait. J’ai conservé chacun des 670 numéros de STREET, FRUiTS et TUNE. La numérisation de FRUiTS n’est pas encore terminée, il faut que je m’y remette.

Depuis que la publication a pris fin, on n’a publié aucun autre numéro. Mais j’ai encore des centaines de photos inédites que j’ai prises au fil des ans et que je songe à compiler sous forme de livre. Je souhaite aussi faire un livre de photos à partir de nos archives. Les années 2000 et le début des années 2010 ont été particulièrement fertiles – plusieurs jeunes gens sont devenus des icônes de mode grâce à FRUiTS. La créativité connaissait des sommets. Ça me parait évident aujourd’hui qu’il faut que je redonne vie à FRUiTS.