S’habiller pour la vie avec Sandy Liang

Je pense que c'était lié à mes Barbies. Je n'avais pas de vêtements de rechange pour elles ; elles n'avaient que cette unique tenue. Et ma grand-mère est couturière ; elle travaillait dans une de ces usines de Chinatown, où l’on confectionnait d'ailleurs des pièces pour Victoria's Secret. Elle m'a emmenée au travail un jour, et j'ai eu cette idée : « Oh, mais je peux fabriquer des robes. » Tout cela s'est mélangé à la féerie de regarder Sailor Moon et, honnêtement, au fait d'avoir grandi à l'époque de MTV et des tapis rouges.

S'il y a eu un déclic, c'est ce jour de l’école secondaire où ma mère a enfin accepté de m'acheter mon tout premier numéro de Vogue dans la file d'attente du supermarché. Elle a cédé uniquement parce que c'était une bonne affaire. C'était l'édition de septembre 2003, j'étais donc au premier cycle du secondaire. Je me souviens que c'était Nicole Kidman en couverture. Et là, je me suis dit : « Et si je travaillais dans la mode un jour ? » Tout le reste me semblait tellement ennuyeux.

Ce monde de la mode me manque. Ce n'était pas une époque où il suffisait de publier quelque chose sur Instagram pour qu'une célébrité le porte et que vous ayez soudainement une marque. Il y avait une tout autre façon d'aborder les choses. Non pas qu'il y ait quoi que ce soit de mal dans la façon dont cela se fait aujourd'hui. C'est même plus ouvert maintenant, ce qui est agréable, parce que c'était vraiment difficile au début, ne serait-ce que pour monter un défilé.

Nous sommes toujours aussi débrouillards, mais je suis le genre de créative qui a véritablement besoin d'un cadre. Et quand j'étais plus jeune, les limites s'imposaient d'elles-mêmes parce que je ne connaissais que ce que je connaissais. Chaque année qui passait m'en apprenait davantage, mais cela générait aussi plus de travail. C'est un engrenage. Alors oui, cette naïveté me manque, ou du moins le fait d'avoir l'excuse de l'être.

C'était stressant d'essayer de concevoir une collection stimulante sur le plan créatif tout en cherchant à satisfaire les acheteurs, en gérant une entreprise et en veillant au roulement de trésorerie. L'un de mes premiers clients était Opening Ceremony, et ils m'ont demandé un catalogue de vente. Je me suis dit : « Je ne sais absolument pas ce que c'est. » J'avais créé la collection, mais je n'avais aucune idée de la manière de la tarifer.

Heureusement, après avoir présenté ma première collection à Paris, il y avait une femme assise à côté de moi lors du vol de retour. Je lui avais demandé si nous pouvions échanger nos sièges, parce qu'elle était côté couloir et que j'avais mes règles. Je lui ai dit : « Je ne veux pas vous déranger, car je vais devoir faire des allers-retours aux toilettes. » Et elle m'a répondu : « Non, ça ne me dérange pas du tout de me lever. » Puis elle m'a demandé : « Qu'êtes-vous venue faire à Paris ? » Nous avons donc commencé à parler de mode. Elle travaillait dans un showroom et m'a ensuite présentée à Christine Park, qui est devenue ma mentore pendant un moment. Elle travaillait auparavant pour Steven Alan. C'est elle qui m'a appris les ficelles du métier et s'est montrée d'une générosité incroyable avec son temps. Elle m'a montré : « Regarde, voici comment on évalue le coût d'une collection. C'est ainsi qu'on gère ses usines. »

Ce n'est toujours pas arrivé. Je pense que la reconnaissance d'autres marques qui se disent : « J'adorerais collaborer avec vous », fait vraiment du bien. Mais je suis le genre de personne qui n'est jamais satisfaite. C'est sans doute lié à mon éducation ; il n'y avait jamais de moment pour célébrer. On passe toujours à la suite, ce qui, d'une certaine manière, alimente toute cette aventure, car cela correspond parfaitement à la nature même de la mode.

En y réfléchissant bien, c'était peut-être lors de ce premier vol en 2014, au retour de Paris vers New York après la présentation de ma toute première collection. Je me souviens qu'il y a eu des turbulences et je me suis dit : « Si cet avion s'écrase, au moins je pourrai me dire que j'ai créé une collection et que les gens l'ont vue ! »

Ce qui a rendu la création de ce livre si spéciale — bon, je viens de te dire que je ne suis jamais satisfaite, mais l'un des rares moments où j'ai ressenti cela, c'est en regardant la première ébauche. Je me suis sentie très accomplie et fatiguée d'une bonne fatigue. En me disant : « Mon Dieu, j'ai vraiment accompli beaucoup de choses. »

Le tout premier lookbook, Resort '17, a été photographié dans la rue de mon enfance. Nous sommes allés à Bayside, dans la maison où j'ai grandi. C'est un lookbook très cher à mon cœur. Je dirais aussi la collection Printemps '23, parce que c'était la première fois que j'avais l'impression de présenter un vrai défilé. C'était la première fois que je collaborais de très près avec Dean DiCriscio, mon styliste, pour créer un véritable univers et ne pas me limiter à cause du budget.

Je regardais le compte Instagram de Petra Collins un jour, et Dean y était identifié parce qu'il avait travaillé sur un projet avec elle. Je cherchais un styliste pour la séance photo de mon prochain lookbook ou pour un défilé, et je lui ai demandé : « Ça te dirait qu'on travaille ensemble ? » Il m'a répondu : « Je suis partant. » Il était basé à New York à l'époque.

Je suis quelqu'un de très insouciante. J'aime être une rêveuse. Mais j'ai aussi ce côté très pragmatique : « Pas question de niaiser. C'est du sérieux. » Et quand j'ai rencontré Dean, il avait lui aussi cette facette rêveuse et désinvolte. Mais au moment de créer les looks, il devenait extrêmement rigoureux et me disait : « Sandy, je n'ai pas pu fermer l'œil de la nuit parce que je me demandais ce qui se passerait si elle portait ce sac plutôt que celui-là ? » C'est là que j’ai eu une révélation, le sentiment d'avoir trouvé mon égal.

Il y a eu beaucoup de collections à mes débuts où, si un acheteur franchissait la porte et me faisait une critique, je la prenais terriblement à cœur. On tend à oublier ce qu'on a appris à l'école ou ce que signifie « être créatif » quand on lutte simplement pour survivre, parce qu'on se dit : « Je veux juste gagner assez d'argent pour financer la prochaine collection. » Et puis on tombe dans le piège d'écouter les acheteurs, alors qu'ils ne parlent que de viabilité commerciale. Je pense qu'une partie de moi a trop prêté l'oreille à leurs remarques. Aujourd'hui, bien sûr que je veux toujours vendre des pièces — au fond, cela reste une entreprise. Mais mes exigences quant à ce qui peut voir le jour sont bien plus élevées.

Je la vois comme moi-même, mais dans une version idéale. Les gens me demandent toujours : « Qui est ta cliente ? Pour qui crées-tu ? » La vérité, c’est simplement toi et moi. Qu’est-ce qui te plaît ? Qu’est-ce qui me plaît ? Et c’est tout.

Dès les tout premiers jours de la marque, j'ai su qu'il serait fascinant de la voir grandir, parce que cela accompagnait mon propre cheminement. Et peut-être que Sandy Liang existera encore quand elle aura 45 ans. À quoi cela ressemblera-t-il ? Peut-être qu'elle sera encore là à 60 ans. Et à quoi ressemblera-t-elle à ce moment-là ? Désirera-t-elle toujours ceci ? [Elle désigne une culotte bleue ornée de rubans à proximité] Peut-être ! Ou peut-être qu'elle sera complètement différente. Peut-être qu'elle ne s'intéressera plus du tout à la mode et qu'il sera alors temps de tirer sa révérence. C'est amusant parce que c'est une aventure très personnelle. Chaque collection est le reflet de ce que je vis au moment présent. C'est tout ce que je peux faire. C'est tout ce que je sais faire.

J'essaie simplement d'être beaucoup plus bienveillante envers moi-même aujourd'hui. Avant d'avoir un bébé, je ne réalisais pas qu'on ne peut pas — ou qu'on ne devrait pas — reprendre le travail avant d'être vraiment prête. Je pense que je me suis imposé cette pression parce que je me disais : « C'est ma marque, je dois être là », ou « Comment peuvent-ils faire un essayage sans moi ? » On vit ces expériences, puis on évolue et on apprend. Au début, je me disais : « Pourquoi ai-je fait ça ? » Et maintenant je me dis simplement : « Je l'ai fait, et la prochaine fois, je ferai autrement. »

Cela fait remonter énormément de choses. En élevant ce tout-petit, je repense à ma propre enfance et à ses moments les plus précieux. Le voir simplement heureux, sans se soucier du regard des autres ni craindre d'être jugé, c'est tellement beau et inspirant.

Je trouve que ce serait vraiment génial. Je suis simplement très réaliste quant à ce que je peux gérer, et je sais que créer des vêtements pour enfants, c’est tout un monde en soi. Il y a toutes sortes de réglementations à respecter. Mais un jour, j'adorerais tenter l'expérience.

Non. Si quoi que ce soit, cela nourrit la marque, parce que c'est véritablement ainsi que fonctionne mon esprit : lorsque j'étais enceinte, je pensais à ceci. Quand je préparais mon mariage, je pensais à cela. Ce genre de démarche a toujours été très naturel pour moi.

Oh que oui. J'ai fréquenté une école secondaire très axée sur les mathématiques et les sciences, et même à cette époque, je me disais : « Oh, je veux devenir styliste, mais ce n'est pas un vrai métier. Je vais donc étudier l'architecture parce que je ne suis pas douée en maths, mais j'adore dessiner. » Mais quand j’ai changé d’orientation, littéralement après un seul semestre à la RISD, alors que je n’étais même pas encore en architecture. J’étais vraiment triste de quitter New York pour la première fois. Le chez-moi me manquait énormément. Je me rappelle que Teen Vogue avait sorti un livre, The Teen Vogue Handbook: An Insider’s Guide to Careers in Fashion, et je me souviens l'avoir commandé en me disant : « Oh, je veux vraiment faire partie du monde de la mode. » Je suis donc rentrée un week-end et j'ai dit à mon père : « Je suis tellement malheureuse à Providence. Je veux revenir. Je veux faire un stage. Je veux voir où cela peut me mener. » Et il m'a simplement répondu : « D'accord. » Je lui en serai toujours reconnaissante.

Je suis sincèrement flattée qu'on m'associe à ce mouvement. J'ai vu passer des mèmes montrant un lézard affublé d'un nœud, que les gens appelaient le « lézard Sandy Liang ». Même mes propres amis me disent parfois : « Tu devrais faire une collaboration avec une marque de papier de toilette. Tu n'as qu'à y apposer un nœud rose. »

Je suppose que la seule pointe d'irritation vient du fait que certains se disent : « Ah, il suffit d'ajouter un nœud rose sur n'importe quoi ? » Et c'est très bien si c'est ce que la culture populaire veut en faire. Mais de mon côté, je ne cherche pas à suivre la tendance ou à avoir un coup d'avance. Quand j'ai imaginé la ballerine Mary Jane façon pointe, c'était un projet sur lequel je travaillais depuis très longtemps. Je savais que ma première chaussure devait être fabriquée en Italie, alors j’ai trouvé des gens qui m’ont aidée à dénicher une usine là-bas, et nous avons travaillé pendant deux ans à mettre au point la forme du bout. Quand nous avons changé d’usine et que la première production a enfin été lancée, le « balletcore » est arrivé au même moment, par hasard. Je crois qu’on m’en a attribué le mérite, ou qu’on m’y a associée, mais je me suis simplement dit : « Ça fait deux ans que je travaille là-dessus. »

L'utilisation du nœud provient, encore une fois, de ce désir d'enfance d'être une princesse, et de ces éléments naïfs comme dessiner un nuage, une fleur, un cœur, une étoile, un nœud. C'était tout simplement ce que je dessinais et qui me faisait rêver. Et si je continue avec les nœuds mais qu'ils ne sont plus à la mode ? Ça me va très bien aussi. Ou peut-être que je serai moins attirée par eux et qu'ils passeront au second plan.

Je pense que c'est l'énergie véhiculée par le nœud qui importe, et non le nœud en lui-même.

Je ne cherchais pas particulièrement cela. Une autre agence m'avait contactée, alors j'ai accepté un rendez-vous et je me suis dit : « Oh, c'est donc comme ça que ça se passe ? » Je ne connaissais absolument rien à cet univers, à part ce que j’en avais vu à la télévision dans Entourage, ce qui n’est pas vraiment un exemple de référence. Puis j’ai rencontré l’équipe avec laquelle je collabore aujourd’hui. Je leur ai dit : « J’ai toujours tout négocié moi-même, mais j’arrive à un stade de ma vie où je peux essayer de tout faire moi-même sans grande efficacité, ou choisir de demander de l'aide. »

C’est comme ma mère quand je grandissais. Elle portait toujours les tenues les plus informes et les plus confortables. Et je me disais toujours : « J'aimerais tellement avoir une mère stylée qui met du rouge à lèvres et s'habille de façon élégante. » Et avec le temps, j’ai appris à apprécier cette sensibilité du type : « Je suis à l'aise, mais je peux aussi porter une robe. » J’ai toujours aimé cette idée de porter une robe tout en restant capable de tout faire. Pourquoi le fait de porter une robe devrait-il nous restreindre ? J’adore ce concept de s'habiller pour la vie de tous les jours. J'adore le cinéma et, un jour, j'aimerais beaucoup faire de la création de costumes ou tout simplement en apprendre davantage sur cet univers. Cette idée de s'habiller pour le film de sa vie, ou pour l'épisode qu'on est en train de vivre, est très inspirante pour moi.