Tons
terreux

Ça m’a pris beaucoup de temps pour aboutir aux vêtements, en fait. Je m’intéressais à l’identité, à la représentation, à la création d’images, aux portraits – je voulais nous voir représentés, moi et ma famille. Je me souviens des émotions fortes que j’ai ressenties en rencontrant certaines images, certains visages. J’éprouvais un attachement.

Pendant mon enfance, ma mère nous soutenait dans notre individualité, mes sœurs et moi. Elle nous encourageait à développer nos propres façons de nous exprimer à travers les vêtements. Elle nous a présenté le concept d’expression libre à un jeune âge. Je pense que ce que je résistais à l’adolescence, c’étaient les choses que je voyais comme des contenants – ce qui dictait la manière dont je devais m’habiller ou ce qu’on attendait de moi en raison de mon âge.

Je crois que je finis par révéler et découvrir plus de choses; plus on explore un sujet, plus il devient compliqué. C’est plus synergique, d’une certaine manière, mais l’objectif n’est pas de réduire quelque chose à un seul récit ou à un seul point de vue. Il faut toujours une variété de perspectives.

Les œuvres de Kerry James Marshall, je crois, mais aussi sa façon de s’introduire dans une lignée de virtuoses. Il connaît très bien l’histoire du portrait et je trouve son approche, qui consiste à créer un espace pour lui-même dans cette institution, très inspirante.

Bien sûr. L’étagère à livres est un bon point de départ; je ressens la même chose pour Ben Okri.

Il n’est jamais temps d’arrêter, selon moi.

Je dirais que la recherche est une pratique continue, et le fait que je travaille en mode est utile dans ce cas-ci: il y aura toujours des cycles très précis. La mode a un rythme prédéterminé que j’aime bien suivre. Au cœur de ma propre pratique artistique, je veux me donner plus d’espace pour réagir à mes recherches et avoir la liberté d’approcher ce que je trouve avec un sens du temps différent.

La mode est très cyclique et j’ai besoin d’avoir différents espaces dans lesquels opérer librement. J’ai d’autres exutoires, comme un projet d’exposition qui représenterait deux ou trois ans de développement et de recherche.

Assurément. La dernière collection que j’ai créée s’appelait Essence et j’avais pour concept de résumer mon style ou mon langage avec les éléments clés d’une garde-robe. Rockers m’a servi de référence à plusieurs reprises, surtout en ce qui a trait à l’idée d’inventer. Les pièces elles-mêmes ne sont pas particulièrement éblouissantes, mais elles sont transformées par notre façon de les porter, qui informe ensuite les silhouettes du futur; c’est la confiance qui véhicule le style.

Oui, je crois que c’est une question de maîtrise de soi, mais les vêtements ont bel et bien une qualité transformative. Surtout les habits sur mesure. Je me souviens de certains des modèles que j’ai habillés en complet pour mon défilé; ils se tenaient de manière complètement différente et se sentaient comme des princes. C’est très beau à voir, ce genre de transformation… en réalité, ce n’est pas une transformation, mais bien un dévoilement de qui on est vraiment.

Sa sensation sur ma peau – la tactilité, l’intimité. Je m’intéresse beaucoup au côté émotif de l’habillement ou de la confection; c’est tellement intime d’habiller quelqu’un d’autre et de créer des pièces qui seront en contact avec sa peau. C’est comme avoir une relation affective avec eux.

Je pense que oui, parce que je m’intéresse toujours à l’élégance et à la beauté intemporelle, tout en considérant le quotidien pour que mes vêtements soient confortables et non limitants. Je ne crois certainement pas que ces deux options soient mutuellement exclusives.

Je regardais certains des premiers blousons dans les archives de Dior et j’ai eu une réaction émotionnelle: ils étaient très purs et essentiels. Tout répondait exactement à un besoin, mais on pouvait vraiment sentir le talent et l’émotion de la personne qui les avait confectionnés. Et ce qui me plaisait, c’était que je n’arrivais pas à les situer dans le temps. On aurait pu les trouver dans un marché il y a 100 ans ou aujourd’hui.

En ce qui concerne mes propres créations, la collection Ezekiel est l’une de mes préférées; je me suis inspirée de Haïlé Sélassié, des tenues de cérémonie, de l’idée d’être un sauveur. J’ai essayé de représenter ça avec des complets ivoire taillés sur mesure, et j’ai senti qu’ils étaient purs et essentiels sur le plan des proportions. J’ai fait des petits ajustements pour les incorporer à mon monde et à mes rythmes. Voilà un exemple de quelque chose qui ne comporte que l’essentiel, à mon avis.

Je suis attirée par les griffes qui ont perfectionné leur art. Je crois que, d’une certaine manière, je m’intéresse aux archives et à l’idée de la version originale, de réinventer quelque chose d’essentiel. J’approche ces collaborations entre marques avec l’objectif de tisser des liens entre nos histoires. Comment Dior s’intègre-t-elle à l’idée que je veux explorer? Quelle est la relation d’adidas avec la communauté ou la culture sur laquelle je me penche?

En créant ma dernière collection, je regardais des films comme Rockers et j’étudiais la Jamaïque d’une certaine époque; avant ça, je m’intéressais à la communauté caribéenne britannique d’une époque semblable et je comparais les palettes de couleur, le rapport entre le style et le climat, comment les gens communiquaient leur identité encore plus fort dans ce contexte qu’en Jamaïque. Je passe souvent par une étude de caractère ou de garde-robe. C’est un dialogue continu, une continuation du langage.

Je pense qu’il y a une impression de fluidité, comme dans le cas de la représentation ou de l’identité noire, qui ont chacune leur spectre. Ces spectres renferment un éventail de possibilités, et je crois qu’il faut montrer toute leur portée. Je veux renforcer et répéter les images que je crée pour les rendre plus familières, pour faire en sorte qu’une variété de perspectives soient largement reconnaissables.

Quand je me suis lancée en mode, j’ai senti que la culture noire était représentée d’une manière très précise, qu’un modèle noir ou un look «noir» portait un sens précis. Je voulais montrer à travers l’histoire que la culture noire déborde d’exemples d’élégance.

Je crois que c’est le cas. C’est probablement aussi une vision de la masculinité qui m’est familière, ou que j’ai peut-être idéalisée.

Oui, c’était un genre de coïncidence. J’ai présenté mon défilé Lovers Rock en janvier l’an dernier, et le film de Steve McQueen est sorti près de l’arrivée de la collection en magasins. C’était très intéressant de voir le film. Il y avait beaucoup de choses que j’avais observées en élaborant la collection – j’ai pu constater qu’il n’y avait qu’une toute petite archive d’images de cette époque, et donc que les références du film étaient très précises. J’ai reconnu des photos, des images, des personnages.

Je pensais aux origines du dancehall, mais en regardant Lovers Rock, j’ai senti que c’était aussi ce que les gens créaient au Royaume-Uni pour refléter ce qu’ils voyaient en Jamaïque. J’ai pensé à l’évolution des sonorités et au talent local et j’ai trouvé la sentimentalité, le romantisme et la tendresse de cette musique très intéressants.

Dans ce monde-là en particulier, je suis intéressée par la représentation équilibrée des hommes et des femmes; j’ai l’impression qu’il y avait un équilibre ou qu’une forme d’unité avait été introduite et que la masculinité ne dominait pas forcément la production.

La beauté est aussi une forme de résistance. Je crois que ce qui me fascine, c’est l’importance de l’inventivité en ce qui concerne le style. Nos vêtements peuvent provenir de partout dans le monde, mais c’est notre manière de les agencer qui forme notre style; notre inventivité le fait apparaître. Pour moi, c’est aussi relié aux traditions musicales. Les éléments de la musique, puis l’improvisation à laquelle ils donnent lieu, c’est ça, la vraie créativité.

Je me vois comme une chercheuse. Je dirais que c’est cette pratique qui me guide, la recherche étant elle-même artistique et ne requérant pas toujours un résultat. Mais à partir de là, il faut aussi réfléchir à comment on veut communiquer les idées à travers les sons, les mots, l’expérience ou les vêtements. Mon processus est très axé sur la compréhension d’un monde ou d’un personnage à travers une variété de médiums et de textures.

Souvent, ça vient de fragments de littérature dont je me souviens, de souvenirs légèrement décousus. Je dois vraiment me plonger dans un univers pour comprendre comment représenter un personnage, créer des silhouettes qui semblent authentiques à cet univers et une garde-robe qui le reflète bien.

J’utilise assez souvent la couleur rouille. L’ivoire, le brun…

Des tons terreux discrets. Mais les tons de pierres précieuses me plaisent aussi. Je m’intéresse toujours au blanc cassé et à tous ses dérivés.

C’est de là que je prends le rouille, je suppose.

J’ai commencé l’année en écoutant beaucoup de piano et de Paul Robeson. Du piano ragtime, aussi. C’est drôle, j’y ai pris goût tout d’un coup, avec son côté un peu théâtral et opératique. Ça me plaît beaucoup. Toi, qu’est-ce tu écoutes?

Je vais prendre ça en note, ça paraît génial. Il y a un album que je te recommande fortement, par Joe Henderson et Alice Coltrane, intitulé Elements. Alice Coltrane est l’artiste que j’ai le plus écoutée durant toute cette histoire de peste. Tu connais Laraaji?

J’ai collaboré à quelques projets avec Laraaji. Il est incroyable. Il vit à Harlem, dans un appartement complètement orange.

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